凡·高实在是太穷了，以至于连作画的颜料和画布也买不起。汤佳大爷是一个经营绘画用具的小店主，他很赏识凡·高，他认为凡·高肯定会成功的。尽管自己并不富裕，汤佳大爷还是尽可能为凡·高提供一些绘画用品。
然而，汤佳大爷的妻子对此却很不满，她抱怨道：“凡·高浪费了那么多颜料和画布，他画的油画却卖不出一分钱。”
由于日夜不停地作画，再加上经常挨饿、营养不良，凡·高的牙齿掉了许多，而且身体疲乏，面容异常苍老、憔（qiáo）悴（cuì）。接着，凡·高又患精神病，并在疗养院里呆了一年。
尽管如此，凡·高依然没有停止绘画。1890年，贫病交加的凡·高自杀身亡，而凡高的成名，却在他的死后。
黄色是明媚、充满活力的颜色，在《向日葵》里，凡·高就使用了大量的黄色。在黄色的画布上，向日葵像火苗般鲜艳、夺目，远远看起来，整幅画就像熊熊燃烧的火焰。《向日葵》给人的感觉就是：火热、狂喜、充满生机。
1987年，《向日葵》被卖到了2250万英镑，这是一个惊人的价钱。对比凡·高生前的穷困潦倒，又怎能不令人感慨、深思呢？
着名漫画《父与子》是谁创作的？
在许多杂志和报刊中，我们都可以看见这样的一对父子：父亲穿着黑色的背心，白色的裤子，他最大的特征就是肚子圆鼓鼓的，显得既滑稽（jī）又可亲；与身材胖大的父亲相比，儿子则显得又瘦又小。当这对外表差异极大的父子站在一起时，的确令人情不自禁地发出会心的微笑。
《父与子》是德国漫画家卜劳恩的重要作品。卜劳恩1903年生在德国的一个小村庄，长大后开始学习绘画。他曾为许多报纸、书籍做过插图。1931年，卜劳恩的儿子降生了。卜劳恩非常高兴，他决定将发生在自己和儿子之间的故事，用画笔画下来，让所有的人都来分享他与儿子之间快乐的情感。
1934年12月，第一幅《父与子》发表了，立刻，人们就被这一对可爱的父子所吸引，被他们之间的父子真情所打动了。人们喜欢《父与子》，喜欢知道他们之间的趣闻、逸事。而卜劳恩也不断将发生在他与爱子身上的故事，用画笔传达给广大读者。《父与子》的名气越来越大，很快就从德国传向了全世界。
人们都衷心祝愿，这对带给千家万户的父子，能永远快乐。然而，事实却不是这样的。1944年，卜劳恩被德国法西斯抓进了监狱，最后死在了监狱里。
尽管卜劳恩死了，可是他的漫画《父与子》不仅没有消失，反而在随后的时光里，依然在世界各地长盛不衰。
达·芬奇是如何创作出《蒙娜·丽莎》的？
《蒙娜·丽莎》是世界上最昂贵的油画之一，它的作者是着名的艺术家达·芬奇。达·芬奇，1452年4月15日生于意大利的佛罗伦（lún）萨（sà）。从小，达·芬奇就显露出对于绘画、色彩的爱好，父亲及时发现了他的这个特点，就把他送到一个名画家的画室里学习绘画。达·芬奇很有绘画的天赋，因此进步很快。有一天，达·芬奇可不耐烦了。
老师看出了他的不耐烦，便教导他说：“千万别小看画蛋。从不同的角度观察，这枚鸡蛋就是完全不同的。画蛋不仅锻炼我们的观察力，而且锻炼我们的耐心和毅力。”
在老师的开导下，达·芬奇终于领悟了画蛋的意义，他坚持画了许久，直到将蛋画得炉火纯青为止。这为达·芬奇今后的绘画事业。打下了扎实的基础。
《蒙娜·丽莎》是达·芬奇在1503年到1506年间创作的。它还有一个通俗的名字——《神秘的微笑》。
蒙娜·丽莎是一个皮货商的妻子，当达·芬奇给她作画时，她才24岁。因为刚刚失去了自己心爱的女儿，因此她的面容总是含着悲戚和忧愁。为了让蒙娜·丽莎高兴起来，达·芬奇想了许多办法：他请乐师奏起欢快的音乐，唱起好听的歌曲；让人说笑话……让欢快的气氛冲去蒙娜·丽莎的悲伤，使她脸上重绽（zhàn）愉快的笑容。
达·芬奇的努力没有白费，蒙娜·丽莎果然微笑了，而且笑得安祥舒展、动人。达·芬奇抓住这可贵的时机，用画笔为人类的艺术宝库增添了一个珍品。
蒙娜·丽莎迷人在何处呢人们都认为：就在她那神秘的微笑上。从画上我们可以看见，有一丝微笑从蒙娜·丽莎的脸上掠过，她的嘴角微翘（qiào），目光神秘，面容端庄而宁静。画中人的笑含蓄、安详，反应出丰富的内心世界。
《蒙娜·丽莎》的微笑是怎样的一个微笑？
对《蒙娜·丽莎》的微笑，各自都有个人的看法。有的人从中贪图到蒙娜·丽莎于哀愁、凄楚中透出喜悦；有人从中体会到蒙娜·丽莎在自然、恬静中现出诱人。
喜爱《蒙娜·丽莎》的人，在全世界可谓比比皆是。人们惊叹达·芬奇的艺术功力，同时也被蒙娜·丽莎的魅力所陶醉。
到底是什么原因创造出了《蒙娜·丽莎》的微笑蒙娜·丽莎的微笑蕴（yùn）含着什么意境这些都让专家们去探讨吧，我们只要记住这永恒的微笑就足够了。
《无名女郎》是何方女子？
克拉姆斯科依的肖像画《无名女郎》是众所公认的惊世骇俗之作。
凡有幸一睹该画风采的人，无不为其深刻的艺术感染力所震撼（hàn）。那冬日的早晨，覆盖着白雪的建筑，晨曦（xī）衬托之处，一位端庄、美丽的女郎坐在马车上。那神情，矜持中不失妩媚，沉静中透着风情。
克拉姆斯科依的《无名女郎》，它的真名是什么人们关注着、猜测着。
有人曾断言，画家克拉姆斯科依初恋的少女是画像的原型。大画家对初恋一生都未能忘怀，他将所有的思念之情都集于笔端，他为了心中永远的纪念，创作了这幅作品，他没有署上名字，主要是考虑那一切都已成过去。
而有人则说，《无名女郎》本是作家托尔斯泰笔下的安娜·卡列尼娜。
克拉姆斯科依与托尔斯泰是一对好朋友。由《安娜·卡列尼娜》一书的感染而激发出的创作激情，使画家对安娜·卡列尼娜情有独钟。他用画笔记下安娜·卡列尼娜的美丽，这在情理上也是顺理成章的事。
但是，克拉姆斯科依的学生列宾，则另有一番论点。
他认为，《无名女郎》并不是一幅肖像画，而是纯粹的创作画。画面中的人物并不是哪个模特的再现，而是画家心目中所有理想的、美丽的女性。列宾的说法可靠与否还无法印证。但是，我们从克拉姆斯科笔下《无名女郎》那独具特色的神态中，似乎感觉到其背后总应该有一个真实名字的存在。
“断臂的维纳斯“美在何处”？
1820年，在一个名叫米洛的小岛上，人们发现了一个山洞。在对山洞进行考察时，一尊大理石雕像被发现了。
当时雕像的腰部是断开的，当人们清理干净雕像上的污迹，并将它大致修复后，所有在场的人都惊呼道：多么美丽的女性雕像啊？
看着这堪称美丽绝伦的雕像，人们自然而然地想起了传说中的女神维纳斯。在西方神话里，维纳斯是爱与美的女神，她以美丽着称。就这样，雕像就被人们称为维纳斯像了。
维纳斯女神雕像高204厘米，它的上半身是裸露的，而下半身则被极富表现力的衣襟所遮盖。由于下半身厚实、稳定，因而上半身更显得秀美。再看雕像的面部表情：神态宁静，不露笑容，显得非常端庄、典雅。
可惜的是雕像的两臂断裂，并且没有发现断臂的残片。因此，有人评论道：“它美是美，可没有双臂总是一种缺陷。让我们来给它装上双臂吧。”于是，好些人设想给雕像装上双臂。这个方案可谓多种多样，五花八门。有人说：“女神应该一手放在头上，一手提着衣襟。”有人建议：“雕像的双手应该放在身旁的一个石柱上。”……
-然而，一经试验，人们才恍然大悟：任何一种建议都行不通，因为它们不仅破坏了雕像的整体美，而且破坏了欣赏者的想像力。惟有断了双臂，女神才是最美丽的。这以后，就再也没人试图给雕像安上手臂了。
维纳斯像的确令人惊异，因为它虽然是残缺的，可给人的印象却是完美的。而且，很多雕塑家都认定，维纳斯像的迷人，很大一部分就在它没有双臂上。
后来，经过研究，人们又发现，雕像的各部分尺寸都有一定的比例。而依照这一比例创造的人体形象，是最完美的。于是，人们将这一比例定名为“黄金分割。”
目前，维纳斯像被收藏在法国巴黎着名的卢浮宫中，它不仅是卢浮宫的镇馆之宝，而且是法国的国宝。它吸引着世界各地的参观者慕名前去参观。女神雕像是含蓄而耐人寻味的，它的美，足以令所有欣赏过她的人终生难忘。
着名雕塑《大卫》是谁创作的？
米开朗基罗是世界最伟大的雕塑家之一，而雕像《大卫》，就是他的一个杰出作品。
米开朗基罗，1475年诞生在意大利的一个官员家庭。他刚生下来，由于母亲身体很弱，小米开朗基罗便被送到了一个村庄里，交给奶妈喂养。在奶妈家附近，有一个采石场，而奶妈的丈夫正是采石场的工人。当小米开朗基罗刚学会走路时，他就整天与石块、凿（záo）子为伴了。
小米开朗基罗10岁时，父亲将他送入学校念书。然而，此时艺术已经开始在小米开朗基罗的心里扎了根，他对父亲说：“我要做一个艺术家。”
父亲大惊失色：“现在，艺术家的地位与劳工的地位差不多，你竟然想做艺术家？我决不允许？”尽管父亲强烈反对，但倔强的米开朗基罗还是迫使父亲，将自己送到一个艺术家那里当学徒。
米开朗基罗将精力集中在雕塑方面。经过专心的学习，18岁时他就赢得了名气。后来，有人请他将一块巨大的大理石刻成一座雕像。在认真考察这块大理石时，米开朗基罗的心中已经有了初步的设想：塑一座大卫像。
大卫是古代的一个英雄。相传，在大卫还是个放牧的少年时，一队敌军侵人了大卫的家乡。家乡的战士们奋起反抗，可是因为敌军的首领是一个很有力量的巨人，战士们无论怎样英勇，也没法将敌人击退。
年轻的大卫也投入了战斗，他的任务是给战士们送饭。看到战士们难以抵挡巨人的袭击，大卫就提起巨石，向巨人掷去。巨石打死了巨人，敌人大惊失色，只好逃跑了。
想法明确之后，米开朗基罗就关上工作室的大门，全身心地投入了工作。在雕塑的过程中，他拒绝了一切拜访，只允许几个助手观看他的工作。
经过四年的奋斗，一座高达5米半的宏伟塑像完成了。凡是见过大卫像的人，无不为塑像体格的完美、线条的流畅、神情的逼真所震撼（hàn）。人们惊叹说：“这真是一件伟大的艺术品啊？”而雕像的创作者米开朗基罗，从此也成了名震世界的雕塑大师。
古希腊的雕塑为何都以裸体形式出现？
只要人们稍加注意，就会发现一个问题：古希腊的雕塑，都是以裸体形式出现的。
断臂维纳斯雕塑像，是世人心中美好的偶像。艺术家也好，大众百姓也罢，都懂得维纳斯雕塑的残缺美。但是，如果雕塑不是一尊美丽的裸体，人们还会津津乐道她的残缺美吗？
古希腊的雕塑，为何都以裸体形式出现呢？
借用大艺术家罗丹的评价：“希腊人这种特有风气产生了特殊的观念。在他们眼中，理想的人物不是善于思索的头脑或者感觉敏锐的心灵，而是血统好、发育好、比例匀称、身手矫健、擅长各种运动的裸体。”
正因为古希腊人特有的这种唯体美的尊崇，所以，当少女们与其它青年或壮年男女一样，赤身裸体在竞技场上相互角逐，全然没有丝毫的羞涩感，而是充满着活力与愉悦。体现着人体与自然的和谐。
古希腊的裸体雕塑，向人们无声地展示了人体的力量美、结构美以及创造美。东西方文化对此都欣然接受，在理论上给予充分肯定。
最近一个时期，我国的一些学者，大胆地提出了新的观点，认为古希腊裸体雕塑，并非源于裸体风俗，也不是单纯的崇尚自然的唯体美。而是西方社会文化背景下的性快乐主义风尚的产物。核心问题还是一种性刺激、性吸引、性渲染。
不管怎么说，古希腊的裸体雕塑，是世界艺术宝库的瑰宝，至于它形成的真正历史原因，是需要专家们更深入地探讨的。
列宾是如何画出《伏尔加河上的纤夫》的？
1861年俄皇亚历山大二世迫于强大的压力，不得不下诏宣布在俄罗斯土地上废除农奴制。然而这一举措并没有真正触动根深蒂（dì）固的封建制度，在沙皇的“仁政”口号下，仍是一片悲惨凄苦的景象。
就在这一年的一天，当时还是圣彼得堡美术学院学生的列宾到伏尔加河畔写生，突然发现远处的河滩上有一群人在缓慢地移动，走近一看，原来是一群纤夫？船夫们蓬首垢面、衣衫褴褛的形象使年轻的列宾震撼而愤慨，他决心要把这悲惨的一幕画下来，替这些被奴役的人们向社会发出不平的怒吼。此后经过3年时间，列宾不断来到伏尔加河收集素材，做了大量的写生，最后画出了具有强大艺术震撼力的《伏尔加河上的纤夫》。画面上，纤夫们在夏日的正午拉着沉重的货船，擦着河床艰难地拖向望不到边的尽头。有人说：“仅凭这一幅画，列宾就可以跻身世界一流绘画大师的行列。”
为什么说《泉》表达了画家安格尔对“永恒的美”的向往？
安格尔(1780～1867)是继大卫之后法国古典主义画派的主要代表。《泉》是他76岁时的一幅作品，高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》中，为心中长期追求并积聚沉淀的古典美与具体的写实少女的美，找到了一个完善结合的形式。