美国早期的禁酒年代，一些非法的酒馆不仅供应酒，还雇了许多黑人表演歌舞，其中就包括踢踏舞，以娱乐白人顾客，例如著名的棉花俱乐部。1921年，融合了歌舞等元素的百老汇表演形式的开创，使踢踏舞得到了进一步的发展。它被广泛地运用到俱乐部娱乐、巡回演出、百老汇歌舞以及好莱坞电影等各种场合，成为代表美国的“传统民间舞”，并逐步具有了世界影响。不仅如此，它还反过来影响了其发源地的民间舞蹈。比较典型的如爱尔兰舞蹈，它就重新吸收了踢踏舞的技巧和表演形式，从而形成了如今这种娱乐性更强，传统与现代相结合的舞台表演形式。
踢踏舞主要是穿着特制的带有铁掌的舞鞋，利用灵活的舞步在木地板上打击出多样的节奏，其形式不拘一格，是一种非常自由的舞蹈形式。一直以来，众多的舞蹈家都在致力于不断丰富踢踏舞的表演形式。有一句话说得非常形象：NOMAPSONTHETAPS，其意思就是说踢踏舞不像地图那样有统一的规范。不过，跳踢踏舞也有几种基本的舞步，主要是注意脚尖和脚跟的动作：在脚跟的部分，脚跟抬高，然后由上往下敲击地板，舞步结束时，脚掌必须停留在空中；而脚尖的基本舞步则是脚尖抬高敲击地板，同样在结束时，让脚掌留在空中。此外，还有脚掌翘起，从上往下敲击地板；利用脚底铁片敲击地板后，再向前轻甩，并摆大腿；还有难度比较高的技法，就是利用脚跟和脚掌的铁片与地面形成四十五度斜角，舞步结束时，让脚跟或脚掌停留在地板上等舞步。舞者运用数种脚步技法重整组合，就可以即兴发展出一套跳踢踏舞的个人风格。
与其他一些用脚步打击节奏的舞蹈相比，踢踏舞更注重脚步打点的复杂技巧与节奏，并且与爵士乐有着更紧密的关系。例如，西班牙的综合表演艺术弗拉明戈中就有脚步打点的舞蹈，但其节奏是与西班牙的民间吉他音乐配合的，而且脚下的舞步也与西班牙舞蹈挺拔矫健的舞姿配合，有力而简洁。我国藏族舞蹈中也有穿着靴子的“踢踏舞”，但多以顿踏为主，其舞姿和音乐也充满着藏族特色。而踢踏舞则不太强调身体的舞姿风格，美国黑人在跳踢踏舞时经常随意地摇摆身体，甚至还伴有很多滑稽搞笑的动作，例如早期一种吸收了爱尔兰舞蹈手臂动作的称为WING(翅膀)的舞步。爱尔兰风格的踢踏舞由于保留了强烈的爱尔兰民间舞蹈传统而自成一派。其重要的特征就是保留了爱尔兰民间舞蹈中身体的舞姿和舞步：上身基本保持直立挺拔，脚步以小腿的动作为主，手臂动作简洁，多为直线的运动。其舞步充满了跳跃性，活泼而欢快。音乐也多运用传统的爱尔兰民间音乐。爱尔兰风格的踢踏舞是区别于美国踢踏舞的一大流派。
威廉·哈里·莱恩把非洲舞步加入了爱尔兰的吉格舞中，从而确定了踢踏舞更为强调节奏与打击而不是旋律的风格，因此可以说他是第一位伟大的踢踏舞舞蹈家。还有三位伟大的大师奠定了踢踏舞的基础：布朗、罗宾逊和包伯斯。是他们让踢踏舞步趋于成熟。罗宾逊突出了脚尖的技术。他常去棒球比赛，并从观众中挑选人与他绕着球场赛跑，而只有他背对着方向，用脚尖跑。他还常与可爱的小影星邓波尔合作舞蹈。包伯斯则创造了称为CRAMPROLL的舞步，同时运用脚尖和后跟。
现代踢踏舞演出突出体现了现代娱乐业的发展方向与包装要求，它充分利用了舞台灯光、布景、音乐以及整体策划与情绪煽动，形成了更具观赏性与娱乐性的演出。例如，澳大利亚的“踢踏狗”舞蹈团就是其中比较成功的一个。
（二）要看更要“听”
踢踏舞与音乐有着非常紧密的联系，甚至有一种说法认为一位伟大的踢踏舞家更是一位音乐家。一般的舞蹈教学在老师示范时主要是模仿动作，然后合音乐。而在踢踏舞的教学中，老师做示范时经常会说：ITLOOKSANDSOUNDSLIKE(看起来和听起来是这样的)，这说明不仅仅要看，而且听节奏、感觉节奏更为重要。学会了舞姿不会节奏是不行的，节奏对了舞姿是可以不必完全模仿准确的。在早期的踢踏舞比赛中，评委坐在木制的舞台下面，甚至根本不看舞蹈演员，而只是听他们打出节奏的轻重缓急，最重要的是节奏是否清晰。一个好的踢踏舞者，不管是多快的节奏、多复杂的舞步、多轻的声音，都必须做到清清楚楚。有了好的音乐修养，还可以完全即兴地随音乐表演。另一位踢踏舞大师贝贝·劳伦斯可以在16小节中打出32种甚至更多类型的节奏。
随着踢踏舞的发展，舞蹈演员可以用各种方法发出更多的不同的声音。最早的舞鞋是整体的木制鞋底和后跟，后来将其分成了前后两个部分，再后来又出现了铁制的鞋掌。有的人还故意将铁掌的螺丝拧松，以发出更多的声音。现在手段就更多了，有的在撒了沙子的地面上跳，有的在电子鼓上跳……以追求更多的音响效果。
踢踏舞与爵士乐也有着非常紧密的联系，吸收了许多爵士乐的元素，例如切分节奏和即兴表演。一些踢踏舞大师与爵士乐大师常常联袂演出。
后来被纳入百老汇舞台表演形式的踢踏舞可以被称为百老汇风格的踢踏舞。其总体风格就是载歌载舞，歌舞融为一体。此外有很多幽默的编排，一般都洋溢着欢快向上的氛围。为了增强娱乐性和观赏性，百老汇的踢踏舞开始注意修饰身体的舞姿，比如胯部的摇摆等等，一些比较“土”比较“丑”的舞姿被去除掉了。另外百老汇的踢踏舞还增加了道具以及布景的使用，以适应舞台表演的需要。在好莱坞歌舞片盛行的时期，踢踏舞也走向了银幕。它基本上延续了百老汇的风格，为电影观众带来了无数的欢乐。
（三）风靡世界的《大河之舞》
十月在北京人民大会堂献艺的《大河之舞》是一场力感、动感、质感与美感兼具的百老汇音乐歌舞盛宴。
该剧以传统爱尔兰民族舞和踢踏舞为主轴，融合了热情奔放的西班牙弗拉明戈舞，并吸取古典芭蕾与现代舞蹈的精髓，共同营造出一场气势如虹的精彩表演。而爱尔兰管弦乐团的演奏及合唱团的天籁美声更是起到了画龙点睛的作用。《大河之舞》中的踢踏舞聚集了所有踢踏舞的流派，爱尔兰踢踏舞、美国黑人踢踏舞、百老汇踢踏舞以及西班牙的弗拉明戈等。置身于现场，你会感到此时此刻只有舞蹈是唯一可以毫不掩饰的，慢慢地，大家好像融化在舞者的舞步中一样，心情也随着“踢踢踏踏”荡漾开去，直达内心的空间。一颗躁动不安的心，顿时也会如同舞蹈高潮之后静止在舞台中央。
《大河之舞》是河之舞爱尔兰舞蹈团的经典作品。该团的演员主要来自爱尔兰，但也有来自英国、美国、加拿大、澳大利亚的艺术家。他们中的大多数人在三四岁的时候就已经开始在本地的舞蹈学校学习舞蹈，在进入河之舞舞蹈团之前，他们都已经达到世界水平，已经在爱尔兰以及全世界的各种比赛中赢得过上百个奖项。
《大河之舞》的创作群体从1995年2月开始，相继推出了《大河之舞：史诗歌舞秀》、《舞蹈之王：麦克尔·弗拉特利》、《燃烧的脚：麦克尔·弗拉特利》三台火爆热烈、贯穿着爱尔兰传说、充满着爱尔兰风情的踢踏舞综艺秀，不仅在全球范围创造并推广了一种以踢踏舞为主体的综艺模式，而且为英语贡献了一个崭新的合成词：Riverdance。《大河之舞》犹如一部叙述爱尔兰祖先与大自然抗争，以及经历战争、饥荒等种种苦难后流离失所，重建家园的长篇血泪史诗。历史宛如一条长河，滔滔不绝地传承着智能、勇气、生命与爱.
《大河之舞》在世界各地的巡演，除了居高不下的票房纪录，最卓越的贡献莫过于让爱尔兰舞得以复活。只有民族的才是世界的。《大河之舞》鲜明地印证了这一点。一种民族舞蹈因为一群热爱它的爱尔兰人，走向了广阔的世界。更重要的是，它成功地突破了现代化和全球化带来的文化趋同壁垒，为世界各国在全球化中挣扎的民族艺术树立了典范。
（第四节）街舞
街舞历史：街舞：英文名HIP-HOP是现代舞的一种类型。起源于美国街边轻松自由的黑人舞蹈，因其独特的HIP-HOP风格和无法抗拒的强大魅力，成为现代舞蹈健身的主流，街舞是一种健康的文化。在充满活力与激情的音乐中，只需要穿上至爱的T恤和宽松的板裤，跟着音乐自我陶醉。
街舞(英文名字Ｈip Ｈop)最早起源于美国纽约，是爵士舞发展到９０年代的产物，它的动作是由各种走、跑、跳及其变化，以及头、颈、肩、上肢、躯干等关节的屈伸、转动、绕环、摆振、波浪形扭动等连贯组合而成的，各个动作都有其特定的健身效果，既注意了上肢与下肢、腹部与背部、头部与躯干动作的协调，又注意了组成各个环节的各部分独立运动(比如：一个上臂动作的完成是从手指、手掌、前臂，直到上臂与肩部的各种活动的有机结合)。因此街舞不仅具有一般有氧运动改善心肺功能、减少脂肪、增强肌肉弹性、增强韧带柔韧性的功效，还具有协调人体各部位肌肉群，塑造优美体态，提高人体协调能力，陶冶美感的功能。
所谓的HIP-HOPDANCE.正是现在最广泛流行的一种街舞类型.如果我们以舞蹈的观点来看，它可以分成NEWSCHOOL以及OLDSCHOOL两大类.如何去区分这两大类型呢？我们以年代及动作或是音乐类型来作区分.其实HIP-HOP就是各种街舞的总称.事实上，我们所谓的BREAKINGDANCE或是OLDSCHOOL正也是属于HIP-HOP的一种.这种OLDSCHOOL的舞蹈包含着LOCKING(锁舞).POPING(机械舞).BREAKING(霹雳舞).WAVE(电流)这些东西(这种霹雳舞式的舞蹈风格著名的团体是RockSteadyCrew).他起源于美国街头的舞者的即兴舞蹈动作.这些街头舞者多半是以黑人或是墨西哥人为主.或许正是所谓的“穷人的娱乐”，这些流行的街舞多半发源自美国纽约的布鲁克林区(这一区住的全是一些穷困的黑人或墨西哥人)。这些黑人及墨西哥人的孩子们成天在街上混，跳舞，自然而然的行成各种的派系，也很自然的在他们所跳的舞蹈上发展出不一样的风格。
（第五节）芭蕾舞
芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。
早在文艺复兴时期，人文主义思潮影响下的人们开始重视人体本身的价值和作用，从而推动了社会的经济、科学和文化的迅猛发展。而在文艺复兴的摇篮“意大利”，王公贵族竞相把艺术作为炫耀自己的权势与扩大政治影响的工具和手段，他们不惜巨资相互攀比、相互竞争，因此这一时期的文化艺术得到了空前的发展。芭蕾就是在这样的一个历史背景下，在古朴的民间舞的基础上，从一种游戏性质的舞蹈开始在意大利宫廷中逐渐形成一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。那时的芭蕾作为一种简单的娱乐形式由王公贵族在各种宫廷庆祝活动和宴会上亲自表演，因此也叫“席间芭蕾”。1489年，米兰公爵的婚礼上演出的《宴会芭蕾》就是他的代表。与此同时宫廷里出现了一种新的职业——舞蹈大师。
15世纪末法兰西国王理查八世率军来到意大利时惊喜地发现了这种优美、豪华的“席间芭蕾”，于是法国人将芭蕾艺术连同意大利的艺术家一起“引进”到了法国，1581年法国王后路易丝的妹妹的婚庆上演出的《皇后喜剧芭蕾》是历史上第一部大型芭蕾舞剧。此剧由意大利音乐家和舞蹈教师贝尔焦约索后改名“博洛耶”编导的。芭蕾舞在17世纪成为了法国宫廷生活的一个重要组成部分。路易十三、路易十四都酷爱芭蕾，并亲自参加演出，特别是“太阳国王”路易十四对芭蕾的喜爱简直到了如痴如醉的程度。他先后在26部大型芭蕾中担任主角，并组织了三位艺术大师——吕利、莫里哀和博尚专门负责芭蕾艺术的创作和演出并形成了新的芭蕾形式“幕间芭蕾”。1661年他下旨创办了芭蕾史的第一所舞蹈学府——皇家舞蹈学院，开始对舞蹈训练进行规范化的研究整理工作。芭蕾舞的脚及其手位都是那时确定下来的并一直沿用至今。17世纪后半叶芭蕾艺术走出宫廷，登上了舞台，开始成为剧场艺术。于是首批专业芭蕾舞演员也应运而生了。但那时的女主角都是由男演员扮演的，直到1681年在巴黎歌剧院上演吕利的《爱情的胜利》中，芭蕾舞女演员才首次登台亮相，而扮演女主角的拉·芳登成为了历史上第一位女芭蕾演员（Ballerina）。